ОРУДИЕ ЛУКАВСТВА И ПРИТВОРСТВА. Веера XVIII–XX веков из частного собрания

7 апреля – 1 июля 2018, Музей зарубежного искусства

Цена билета: 150 руб., льготный – 100 руб.

Выставка «Орудие лукавства и притворства» представляет коллекцию вееров Ольги Затеевой (Москва) XVIII–XX вв. из Китая, Франции, Италии, Испании, Австрии, Германии, России.

Веер соединил в себе мастерство кружевницы, гравера, живописца, резчика, ювелира. Золотым веком веера, привезенного в Европу из Китая португальскими мореплавателями в XVI в., стал период правления Людовика XIV (1638–1715) до окончания царствования Людовика XVI (1754–1793).

В Российскую империю веера завез Пётр I в XVIII в., а вошли они в моду при Елизавете Петровне, и уже при Екатерине II стали неотъемлемой частью дамского туалета. В основном веера привозили в Россию из Китая, Франции и других европейских стран в качестве дорогих подарков, но были и местные произведения. Эти «снаряды для навевания на лицо прохлады», даже обветшавшие со временем, бережно хранили и передавали по наследству. Начиная с 1870-х гг. в России стало модным украшать интерьеры веерами, эта традиция сохранилась до наших дней.

Век кокетливых маркиз и обольстительных кавалеров создал язык веера, позволяющий не утаивать симпатий в свете. Журнал «Смесь» за 1769 год сообщал: «знающие женщины умеют опахалом изображать разные страсти: ревность, держа у рта свернутое опахало, не говоря ни слова; непристойное любопытство, сохраняя стыдливость, закрывает лицо развернутым опахалом и смотрит на того сквозь кости опахала, на что стыдно смотреть простым глазом, а любовь играет опахалом, как младенцы игрушками, и делает из него все что хочет». В России екатерининского времени этот образный язык назывался маханием.

Китайский веер с конца XVII в. стал непременным атрибутом великосветской дамы, а в первой половине XIX в. он превратился в невероятно модный и почти обязательный аксессуар. «На бале… ради Бога, не забудьте букета и китайского опахала, иначе подумают, что вы из Камчатки», – давал наставления журнал «Северная пчела» в 1833 г. Спрос на них был столь велик, что их просто не хватало, и веера в Европе и России стали делать на китайский манер в стиле шинуазри. В коллекции Ольги Затеевой представлены несколько китайских вееров. Самый ранний конца XVIII в. – резной костяной, два с лаковым станком 1840–1850-х гг.

К концу XIX столетия веер увеличился в размере вдвое, в его исполнении нашли применение новый материал – целлулоид – и новая техника печати – хромолитография, которые стали применяться при изготовлении остова. Наравне с веерами-гигантами были популярны небольшие, изысканные веера-баллоны, украшавшиеся тонкой живописью или арабесками из пайеток.

Мода на веера – эти милые орудия лукавства и притворства – сохранялась до 1920-х годов, в наши дни веер представляется оромантизированным свидетелем былых эпох, желанным артефактом в руках коллекционеров.

ТЕАТР. Сценография, фарфоровая скульптура из собрания музея

10 мая – 16 сентября 2018, Губернаторский дом

Цена билета: 80 руб., льготный – 60 руб.

Впервые Ярославский художественный музей показывает работы из своей коллекции, связанные с театром. Театр – красивое, захватывающее, таинственное зрелище, уникальное явление, синтез слова, музыки, изобразительного искусства. Но искусство театра быстротечно. Считается, что как только заканчивается действо на сцене, спектакль как уникальное явление умирает. Но он не исчезает бесследно, продолжает жить в документах, воспоминаниях, эскизах декораций и костюмов, выполненных художником. Этот изобразительный материал лучше всего позволяет реконструировать визуальный образ спектакля – его стиль, рисунок, ритм, цветовую и эмоциональную окраску. Рисунки художников для театра – это особое искусство: фантазийное, яркое, декоративное, привязанное к постановке, но в то же время способное жить самостоятельной от спектакля жизнью. Удачная сценография – вполне законченное художественное произведение, таковым оно рассматривается исследователями и является вожделенным предметом искусства для коллекционеров.

В собрании Ярославского художественного музея около двух сотен предметов, связанных с театром: эскизы декораций и костюмов к спектаклям, портреты актёров. Хронологические рамки представленных на выставке работ – 1900-е – 1970-е годы. Это золотой век театральной сценографии. Собственно, только в начале ХХ века, когда в театр пришли большие художники, она стала настоящим искусством. Искусство ХХ века невозможно представить без театра. Все самые известные художники – члены объединения «Мир искусства», мастера авангарда – работали в театре.

Тема театра поддержана портретами актеров – графическими и скульптурными, выполненными в фарфоре. Они вдвойне актуальны для выставки тем, что творческая личность представлена не в обыденной жизни, а в сценическом образе, сразу в двух лицах. Портреты актеров, преображенных искусством, узнаваемы. Этот сложный жанр оживляет экспозицию, привносит в нее элемент реальности, дополняет и без того богатый на прославленные имена театральный круг выставки.

Все произведения, за редким исключением, экспонируются впервые. На наш взгляд, премьера удалась.

СТЕЛЛАЖ № 4. Музей открывает фонды

3 марта – 28 июня 2018, Губернаторский дом

Цена билета: 150 руб., льготный – 100 руб.

В 2019 году Ярославский художественный музей будет отмечать свой 100-летний юбилей. В честь этого события мы начинаем новый выставочный проект «Открытые фонды».

Многочисленные произведения музейной коллекции хранятся в разных помещениях и поделены на фонды по материалу или тематике. Хранятся памятники искусства в стеллажах, шкафах, медалье. Музей решил показать произведения так, как они сосуществуют в хранилище. Первая выставка нового проекта посвящена одному из самых ценных фондов музея: «Русская живопись XVIII – начала XX века». В хранении часть произведений развешена на особых выдвигающихся щитах, а часть – в стеллажах. Картины из стеллажа № 4 представлены на выставке.

«Бывают странные сближения», – заметил как-то Александр Сергеевич Пушкин. И на выставке произведения авангарда мирно соседствуют с портретами XVIII столетия, картины передвижников дополняют шедевры салонного искусства, работы столичных и провинциальных мастеров представлены в одном ряду. Подобранные для размещения по формальному признаку – размеру – произведения из стеллажа № 4 отражают высокий качественный состав коллекции музея: и по авторам (Ольга Розанова, Николай Ярошенко, Лев Лагорио, Алексей Боголюбов, Борис Кустодиев, Михаил Соколов, Аркадий Рылов и многие другие), и по жанрам (портрет, жанровая картина, пейзаж), и по стилю.

Кураторы проекта подсчитали: для того, чтобы вы, уважаемые зрители, увидели 89 произведений из стеллажа № 4, трудились 29 сотрудников Ярославского художественного музея.

ВИДИМОЕ И ВИДИМОСТЬ

22 марта – 1 июля 2018, Музей зарубежного искусства

Цена билета: 80 руб., льготный – 60 руб.

Елена Захцер – фотограф, член Творческого Союза Художников России, победитель и лауреат многих зарубежных и российских конкурсов, участник многочисленных художественных выставок представляет свой проект «Видимое и видимость».

Искусство фотографии, пережив младенческий период максимально точной фиксации действительности, обратилось к проблеме чувственного индивидуализированного постижения мира. Елена, продолжая традиции «фотографии-исследования», в своих работах максимально честна со зрителем, позволяя ему погружаться в мир собственных образов, смыслов, понятий и предлагая стать соучастником в создании, а главное, осознании новой реальности. Фотоиллюзии Елены Захцер с помощью технических средств и редких материалов для печати возникают на основе вполне реальных пейзажей, объектов, персонажей и заставляют зрителя задуматься о многозначности образа, о бесконечных возможностях его трактовки каждым человеком.

Елена Захцер работает сериями, но общая для творчества в целом сверхзадача художественного постижения мира и своего места в нем, позволяет автору объединить работы разных серий в одном проекте. 29 произведений автора – это 29 возможностей задуматься над эмоциональной составляющей проблем мироздания.

СПОР О БОРОДЕ

с 12 декабря 2017, Митрополичьи палаты

Цена билета: 200 руб., льготный – 150 руб.

Впервые в ярославском музейном пространстве рассказано об историческом событии художественными средствами с использованием аудиовизуальных и мультимедийных технологий. Без экскурсовода, без этикеток, экспозиция сама вовлекает зрителей в диалог – спор – рассуждение. Перед посетителем разворачивается оригинальное музейное действо с подлинными произведениями XVIII–XX веков, анимацией, музыкой, светом и звуком.

В Митрополичьих палатах летом 1705 года состоялся спор – «рассуждение о бороде» Димитрия Ростовского, связанный с указом Петра I о бритье бород. Это событие стало символическим базовым элементом проекта. Отношение к бороде в России – часть культурного кода и самоидентификации нации, связанной с православной традицией – «без бороды и в рай не пустят», позже – идеологией, сейчас – модой.

«Спор о бороде» включает подлинные произведения из собрания ЯХМ (иконопись, живопись, скульптура, декоративно-прикладное искусство), специально созданный анимационный фильм об историческом событии и видеоарт, представляющий «рассуждения о бороде» наших современников. Текст для звукового сопровождения экспозиции разработан ведущими специалистами отдела древнерусского искусства ЯХМ, «голосами» экспозиции стали Сергей Филиппович Куценко, заслуженный артист РФ и Виктория Викторовна Горшкова, заслуженный работник культуры РФ.

В 2016 году проект «Спор о бороде» стал победителем грантового конкурса музейных проектов «Меняющийся музей в меняющемся мире» (2016/2017) Благотворительного фонда В. Потанина в номинации «Музейный старт».

Посещение по сеансам с 10:00 до 17:00 каждый час
Максимальное количество человек на сеансе – 20 человек
Желательна предварительная запись по тел. (4852) 72-92-87

ГЛАВНЫЙ ГЕРОЙ. Столы, скатерти, фарфор, графика из собрания музея

24 ноября 2017 – 04 ноября 2018, Митрополичьи палаты

Цена билета: 80 руб., льготный – 60 руб.

Выставка «Главный герой» представляет 14 столов, 14 скатертей, 9 сервизов, 11 ваз и 5 графических произведений из собрания музея. Тема выставки не случайна, она демонстрирует многообразие нашей коллекции, в которую входит не только живопись, но и произведения декоративно-прикладного искусства. Так как значительную часть коллекции мебели в музее составляют столы, выполненные в разное время, в разных стилях и направлениях, именно стол выбран главным героем выставки. Вы сможете увидеть массивные обеденные столы; столы-«геридоны» на одной ножке-колонне по центру, обычно они богато украшались резьбой и являлись подставкой для ваз, канделябров или ламп, нередко служили журнальными столиками или стояли в прихожей у зеркала; декоративные столы с резьбой в ориентальном (восточном) стиле; ломберные столы для игры в карты; туалетные столики для дам.

Главную роль стол играл и в семейном укладе: за большим столом собиралась в течение дня семья, за столом вели приятные беседы, читали литературные произведения, занимались рукоделием. Стол часто становился важной частью композиции в портретах, жанровых картинах, натюрмортах, интерьерной живописи. Признанным мастером интерьерной живописи был работавший в России итальянский художник Луиджи Премацци. На рисунке из собрания музея Премацци изобразил свою мастерскую. В произведении Александра Малыгина изображена первая экспозиция Ярославского художественного музея, располагавшаяся в здании старой Духовной Консистории на Которосльной набережной. Малыгин в 1921–1929 годах был первым хранителем и заведующим Ярославской художественной галереей, как тогда назывался наш музей.

Главным компаньоном стола всегда была скатерть. На выставке в основном представлены не обеденные скатерти белого цвета, а полихромные для декоративного оформления интерьеров. Это скатерти из разных материалов: хлопка, шерсти, жаккарда. Особый интерес представляют скатерти с разной техникой ручной вышивки. Иногда на изготовление таких скатертей в домашних условиях уходили годы. Их передавали из поколения в поколения как дорогое наследство.

И, конечно, украшением любого стола были сервизы. На выставке представлены столовые, чайные, кофейные сервизы XIX – начала XX веков. Особый интерес представляют гербовый сервиз и редко встречающийся сервиз для шоколада. Три сервиза на выставке экспонируются впервые.

ВЫСТАВКА Е.П. ЛЕВИНОЙ-РОЗЕНГОЛЬЦ

Губернаторский дом, экспозиция «Искусство XX века»

В экспозиции «Искусство XX века» открыта выставка, посвященная творчеству Евы Павловны Левиной-Розенгольц (1898–1975).

Произведения художницы уже вошли в историю искусства ХХ века. Выпускница ВХУТЕМАСа (1925), любимая ученица Р.Р. Фалька, она в период 1930-х годов работала в разных жанрах и техниках, в 1937 участвовала в оформлении Советского павильона на Всемирной выставке в Париже. Ее творческий путь не был простым. В начале Второй мировой войны Ева Павловна была эвакуирована в Чистополь, но в 1942 вернулась в Москву. Война стала не первым испытанием в ее жизни: В 1937 были арестованы два брата, в 1949 «пришла ее очередь». Приговор – десять лет ссылки. В 1949–1954 работала в Красноярском крае на лесоповале, маляром, санитаркой, медсестрой; в 1954–1956 художником-декоратором Казахского драматического театра в Караганде. В 1956 после реабилитации вернулась в Москву.

В период 1956–1974 занималась исключительно станковой графикой, создавая тушевые рисунки кистью или пером, а также пастель. Основную часть ее творческого наследия составляют обширные циклы «Деревья», «Болота», «Люди» («Рембрандтовская серия»), «Портреты», «Фрески», «Пластические композиции».

Творчество Е.П. Левиной-Розенгольц многие годы было доступно узкому кругу лиц, общавшихся с автором. Со второй половины 1970-х творческое наследие начало вписываться в контекст художественной культуры ХХ века. Произведения хранятся в крупнейших музея России и за рубежом (Третьяковская галерея, Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Русский музей и др.). Благодаря тесному творческому сотрудничеству с хранительницей и исследовательницей наследия Е.Б. Левиной, дочерью художника, музей в последнее десятилетие смог получить в коллекцию восемь произведений Е.П. Левиной-Розенгольц, часть из них представлена в залах экспозиции «Искусство ХХ века» и дополняет общую картину развития искусства советского времени.